SOBRE PINTORES
A.HAMID PAZOKI
Nacido en 1955, Abdolhamid Pazoki comenzó su carrera artística inspirado principalmente por la creatividad de los años 70. La esfera artística de los años 70 se caracterizó por un deseo de evolucionar y reforzarse, como respuesta a los muchos conflictos de la década anterior.
Uno de los movimientos más centrales de la década de 1970 fue el conceptualismo, que surgió como una rama del minimalismo, mientras que el viaje creativo y experimental del arte procesual se materializó al combinar elementos esenciales del conceptualismo con otras consideraciones sobre el arte en sí. Las primeras ideas del ecologismo rebotaron en el Land Art, que llevó el arte a la tierra misma, tallando la tierra y llevando el arte al aire libre.
Por primera vez desde la regresión del expresionismo abstracto, la pintura de figuras expresivas resurgió lentamente y recuperó su prominencia, especialmente en Alemania a través de las obras de figuras aclamadas por la crítica como Gerhard Richter, Anselm Kiefer y Georg Baselitz.
La ciudad de Nueva York siguió siendo el centro artístico más destacado de la década, con artistas internacionales que deambulaban por el centro de la ciudad, visitaban bares y galerías de arte, consolidando la idea de la ciudad de Nueva York como una capital cultural cosmopolita y sofisticada. La mayoría de las figuras artísticas más importantes de la década de 1960 siguieron siendo muy influyentes y admiradas durante toda la década de 1970.
GOYO DOMÍNGUEZ
Gregorio (Goyo) Domínguez González nació en Fuentecén, cerca de Burgos, en 1960. Pasó sus años de formación, desde los nueve años, estudiando para ser ordenado sacerdote, lo que posteriormente influiría de manera importante en su obra. Su extraordinario talento natural se vio reconocido y alentado por la iglesia, recibiendo el encargo de realizar numerosos murales en colegios e iglesias de toda España y el Vaticano, Roma.
A los veinticinco años y con la bendición eclesiástica, colgó los hábitos para recibir formación oficial dentro del campo de las artes. Sin embargo, dos años después, y desilusionado con las ideas y la estética de la época, dejó los estudios para forjarse su propia carrera como artista profesional. Su extraordinario talento fue inmediatamente reconocido por el marchante de arte español Sam Benady. Dicha colaboración ha llevado al establecimiento de Goyo como uno de los principales pintores figurativos de España, reconocido y admirado por la realeza española, destinatario de numerosos galardones, y a la amplia utilización de su imaginería en sellos de correos del Servicio Postal español.
Goyo es uno de esos artistas excepcionales con un sentido único de la visión, la belleza y la imaginación, que plasma con gran destreza técnica. Es un realista romántico, creador de composiciones en las que es posible descubrir carismáticos ambientes y enigmáticas sensaciones tras uno fachada de tranquilidad. La exigente autodisciplina de su formación y educación eclesiásticas se revela en su capacidad intelectual natural para la asimilación de la historia y cultura de su tierra natal, y la plasmación de dichas raíces en una ordenada armonía de formas y colores ejemplificados por su fascinación por las obras de los siglos XIV y XV, fuente de inspiración de sus temas predilectos, el cuerpo humano y las naturalezas muertas.
El resultado es una intrigante fusión contemporánea de la Europa renacentista y el mundo clásico, combinados con elementos abstractos y surrealistas que, de manera colectiva, nos explican los procesos del pensamiento de un joven gran maestro que traspasa continuamente los límites y fronteras de sus propios capacidades en una búsqueda constante de nuevos modos de autoexpresión.
EDUARDO NARANJO
Monesterio (Badajoz), 1944
Naranjo, pintor consolidado, de minuciosa técnica y personal estilo, nace en Monesterio para trasladarse pronto a Sevilla, donde comenzará su andadura en el aprendizaje de las Bellas Artes, que habrá de continuar en Madrid como alumno de la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando durante la década de los 60. Comienza a definir su estilo a lo largo de esta etapa, conocida como “informal neo-figurativa”, siendo calificadas algunas de sus obras de este momento como expresionistas. Durante este período Naranjo se adentrará incluso en el campo de la abstracción para, a partir de la década de los 70, apostar definitivamente por los presupuestos realistas e hiperrealistas, que podríamos definir de manera más concreta como realismo onírico, pues sus obras son realmente retazos de mundos, tan próximos y a la vez tan lejanos al nuestro, aproximándose así al surrealismo.
Eduardo Naranjo no solo es un pintor de refinada técnica, si no que además es un excelente grabador. En ambas facetas, tanto la de grabador como la de pintor, el artista demuestra una habilidad consumada para la representación figurativa, que crea con delicadeza, calma y serenidad, sumado a su compleja técnica. Naranjo ha sido galardonado en numerosas ocasiones a lo largo de su trayectoria, incluyendo la Medalla de Extremadura.
Eduardo Naranjo está representado en el MUBA en su faceta como grabador. Destaca así su serie La Creación, donde representa en siete grabados su personal visión sobre el Génesis bíblico; la obra es técnicamente compleja, empleando el artista varias planchas para la consecución de cada grabado, con lo que logra imprimir patrones de color más complejos y calidades que atestiguan su virtuosismo. Otras obras pertenecientes a los fondos del museo son El sueño, El ensueño o la ensoñación, donde el artista nos muestra diferentes facetas de su personal visión onírica. Del Naranjo dibujante destaca Sueños blancos, retrato de Taciana Fisac.
ALFREDO ROLDÁN
Alfredo Roldán, nacido en Madrid en 1965, es un pintor autodidacta que comenzó a pintar a los 22 años. Inicialmente, combinó su trabajo como ilustrador con la pintura, pero su éxito le permitió dedicarse completamente a esta última. En 1994 ganó el Premio del Ayuntamiento de Madrid en el 61 Salón de Otoño, lo que le abrió puertas en el mundo del arte, logrando exposiciones internacionales.
A lo largo de su carrera, recibió varios premios y reconocimientos, como el Premio El Corte Inglés en 1995 y la distinción de Miembro de Honor de la Accademia Internazionale di Arte Moderna en Roma. Su obra “Before the Shower” forma parte de la colección del Ulster Museum y ha sido incluida en el catálogo de la BBC. También realizó una obra monumental para la iglesia londinense de San Bartolomé el Grande.
Roldán ha sido reconocido por el Servicio Filatélico de Correos de España, que ha reproducido varias de sus obras en sellos. En 2003, se publicó un libro de lujo sobre su trabajo. Se considera heredero de los movimientos vanguardistas del siglo XX y destaca la influencia de pintores como Matisse, Picasso y Cézanne en su estilo personal.
ARNAUDON
Arnaudon Fabio, born in Madrid in 1960, is a graduate of the Faculty of Fine Arts in Madrid. His paintings reflect an inner world where time seems suspended, portraying figures with tenderness, poetry, and compassion. These works are serene yet unsettling, blending light and shadow to convey raw, emotional truths that speak to the heart.
In 2000, Fabio left the exclusive gallery he had worked with for ten years, during which he learned the complexities of the art world. Gaining more control over his work, he sought to explore new expressive aspects that had previously been constrained by commercial influence. This shift marked the emergence of a new creative space, signing his paintings under a different name.
His new work delves into a dreamlike, timeless world, populated by ambiguous characters that blur the line between childhood and adulthood. These pieces invite the viewer to explore the hidden meanings within his own nature, blending tenderness and compassion with mystery.
ALFREDO MONTAÑA
Alfredo Montaña, historiador del arte por la Universidad de Salamanca, ha sorprendido con su pintura desde su primera exposición en 1968 en León. Su obra abarca una variedad de temas, como bodegones, tauromaquia, estaciones y música, mostrando un estilo único caracterizado por el uso audaz del color. Sus pinturas suelen incluir personajes con ojos rasgados, cuyas expresiones son introspectivas, tristes o desafiantes, y están enmarcadas dentro de formas geométricas que comunican, a pesar de la ausencia de bocas.
La pintura de Montaña se describe como un latido de pureza, explorando la melancolía y la desolación a través de formas rígidas como líneas rectas, aristas y ángulos. Sus obras no representan simplemente espacios cerrados, sino interiores emocionales de seres humanos luchando con su identidad, al borde de la alienación. Montaña utiliza la geometría para plasmar la complejidad humana, transformando las pulsiones espirituales en materia pictórica.
Los colores en su obra, como intensos azules, ocres, verdes terrosos y rosas desvaídos, crean una atmósfera de sensualidad y dolor. La geometría de sus figuras, especialmente en sus representaciones de mujeres, resalta la sensualidad de los cuerpos, mientras que la dureza de las formas refleja el silencio y el sufrimiento de los personajes. La composición rigurosa es clave en su pintura, donde cada elemento se integra en una estructura armónica, a pesar de la aparente disociación.
La pintura de Montaña equilibra la frialdad técnica con una profunda carga existencial. A través de la disposición de formas y colores, crea un lenguaje pictórico que va más allá de las consideraciones filosóficas, alcanzando una perfección visual que refleja las emociones humanas, o la ausencia de ellas, en busca de una expresión pura y libre.
CHICO MONTILLA
Chico Montilla, born in Granada, Spain, in 1961, moved to Barcelona in 1980, where he studied at the Massana School while frequently visiting the Picasso Museum, the Miró Foundation, and Güell Park. While Picasso and Miró greatly fascinated him, it was the work of Gaudí in Güell Park that profoundly impacted him, inspiring his paintings to fill with luminous colors and a new, intense form of expression.
His vibrant new style led to a series of canvases being exhibited at a “La Caixa” gallery in Barcelona. Between 1983 and 1988, he exhibited in various galleries in Madrid. In 1996, he returned to Granada, and soon after, the director of the Reina Sofía Museum in Madrid visited his studio and invited him to showcase large-format works at the museum.
In 2003 and 2005, the Spanish Post and Telegraph Philatelic Service honored his work by reproducing several of his pieces on stamps, with the themes “Landscapes” and others.
EVARISTO GUERRA
Guerra Zamora, born on September 5, 1942, in Vélez-Málaga, showed an early talent for painting. At age 12, he painted his first oil piece, “Vista de Benamocarra,” and began formal studies with artist Juan Morcillo. At 19, he moved to Madrid, attended the School of Fine Arts briefly, and continued painting while working various jobs.
In 1968, he settled in Las Navas del Marqués and focused fully on art, developing his style with “dreamt landscapes” from Málaga.
Guerra held many exhibitions and received awards, including the National Painting Prize for Young Artists in 1972. His hometown honored him with “Calle Pintor Evaristo Guerra” in 1979, and his solo exhibition “Homenaje a España” (1982) toured nationwide. From 1995, he worked on a significant fresco at the Ermita de la Virgen de los Remedios in Vélez-Málaga, which became his hallmark project, completed in 2006. Recognized with numerous honors, Guerra’s work celebrates his Spanish heritage and captures the light and landscapes of Andalucía.
ARACELY ALARCÓN
Nacer en Granada, vivir en Sevilla, Córdoba y Jaén, lo dice todo de mi pintura.
En Granada sus plazas, placetas y su Alhambra, donde me dieron un permiso especial para entrar a pintar a cualquier hora y los días que quisiera. Lo primero que elegí fue pintar los Palacios Nazaríes desde los huertos, solo accesibles a los jardineros, y de paso pintaba también los granados, los almendros…
De Sevilla, Córdoba y Jaén, todo, desde sus monumentos a sus campos de olivos, los girasoles, y el río Guadalquivir.
He participado en numerosos certámenes de pintura, pero sobretodo, los de pintura al aire libre en diferentes localidades de España, donde mi pasión de pintar del natural hizo que consiguiera varios premios como el del prestigioso Certamen Pintura Rápida del Parque del Retiro de Madrid donde gané el primer premio.
Lo que persigo en todos mis cuadros es dejar en ellos el testimonio de lo que siento, de lo que me trasmite ese paisaje, ese bodegón, ese muelle con sus grúas. El ir y venir de barcos de carga, los puertos deportivos y bahías de numerosas ciudades españolas y europeas.
Espero seguir sintiendo durante mucho tiempo la misma pasión por pintar.
FABIO HURTADO
Nace el 26 de enero de 1960 en Madrid. Licenciado en la facultad de Bellas Artes de Madrid.
Ejerce como profesor de pintura y dibujo durante 1987 y 1988 hasta su primera exposición importante en Alemania en 1989.
A partir de entonces abandona su labor docente y se convierte en pintor profesional, desarrollando simultáneamente otros campos creativos como la fotografía.
Durante estos últimos veinte años, realiza numerosas exposiciones en Europa y Estados Unidos siendo galardonado con varios premios y distinciones. En 1996 la Academia de Arte Moderno de Roma le nombra miembro del Senado Académico y Su Majestad la Reina Dña. Sofía le entrega una de las Medallas de Honor en el X Premio de pintura BMW.
Una de sus obras aparece en la portada de prestigiosa revista Financial Times Telecom.
En 2003 es invitado a participar en la exposición conmemorativa del 25 Aniversario de la Constitución en el Museo de la Real Casa de la Moneda y un año después Correos lanza la emisión de una serie filatélica con el motivo » La mujer y la lectura » , utilizando obras del pintor.
El Museo del Ulster en Irlanda adquiere una de sus obras para su colección y es invitado habitualmente a participar en simposios y talleres en Europa, Asia, Emiratos, etc. junto a otros destacados artistas internacionales.
JUANJO LACALLE
Con la incorporación de elementos matéricos, Juanjo Lacalle logra imprimir en el lienzo un lenguaje innovador, tejido con texturas en tierra, marmolina y materiales de todo tipo, que se traduce en obras de indudable impacto tanto visual como táctil, para recordarnos que el arte tiene como límite únicamente su misterio.
Incorporando elementi materici, l’artista Juanjo Lacalle riesce a trasferire sulla tela un linguaggio innovativo, intriso di tessiture di terra, minerali e materiali d’ogni sorta, che si traduce in opere di innegabile impatto visivo e tattile, ricordandoci che l’arte ha come unico limite il suo mistero.
The artist Juanjo Lacalle manages to transfer an innovative language onto the canvas while incorporating material elements, imbued with textures of earth, minerals and materials of all sorts, which translates into works of undeniable visual and tactile impact, reminding us that art has as its only limit its mystery.
LUIS JAVIER GAYA
En 1978, el artista inicia su formación en el taller de la pintora Begoña Izquierdo y luego continúa sus estudios en la Academia Peña de Madrid. Tras estudiar dos años de Arquitectura en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, se gradúa en Bellas Artes por la Universidad Complutense en 1987, especializándose en Restauración, y en 1988 en Pintura. Posteriormente, realiza estudios de doctorado.
En 1995, obtiene el Premio Reina Sofía de Pintura en el LXII Salón de Otoño y es invitado a formar parte de la junta directiva de la Asociación Española de Pintores y Escultores, donde más tarde se convierte en vicepresidente.
Desde 1996, es miembro de la Escuela de Pintores Figurativos de El Escorial, fundada por el pintor Luis García-Ochoa, y comienza a trabajar en el Taller de Grabado de Pedro Arribas en Madrid. En 2001, se traslada al Centro Internazionale della Grafica en Venecia.
Ha vivido y trabajado en Madrid y Roma, donde ha residido en distintos períodos desde 1997. En 2000-2001, recibió una beca de la Academia Española en Roma otorgada por el Ministerio de Asuntos Exteriores, así como una beca Fortuny en Venecia, patrocinada por el Consulado Honorario de Venecia. También ha sido becado por la Diputación Provincial de Segovia, la Cátedra de Paisaje de la Universidad Complutense de Madrid (Beca Paular), la Fundación Rodríguez-Acosta de Granada y la Diputación Provincial de Pontevedra (Beca de Bellas Artes del Castillo de Soutomaior).
ANA PERPINYA
A.Perpinyà, nacida en Barcelona en 1965.
Se ha dedicado profesionalmente toda su vida a la que es su pasión , la pintura.
Ha expuesto en Europa, Alemania, Amsterdam, Londres, Francia, Portugal…. En América; Miami, Atlanta, Florida, así como en numerosas ferias de arte. En España expone en Madrid, Granada, Málaga, Marbella, Vitoria, Castellón y Barcelona.
Con numerosas publicaciones de sus obras en revistas, diarios y catálogos. Ha colaborado en televisión, radio, academias y periodismo con ilustraciones y programas.
SOLEDAD FERNÁNDEZ
Nace en Madrid. En el año 1949 se traslada a Collado Villalba (Madrid), donde actualmente reside. En los años 60 estudia en el taller del pintor de la Escuela Sevillana José Gutiérrez Valle, posteriormente sigue dibujando en el Circulo de Bellas Artes de Madrid y en los años 80 visita y estudia arte en París, Londres, Roma y Venecia. Después de varias exposiciones de menos importancia, en 1987 expone en Londres en la Sammer Gallery y posteriormente en Madrid, El Escorial, Barcelona, Palma de Mallorca, Zaragoza, etc. Sus obras pueden ser contempladas en diferentes museos nacionales e internacionales.
Esta pintora madrileña está considerada por la crítica como una de las mejores pintoras realistas del momento, siendo uno de sus temas favoritos el cuerpo humano, sobre todo el desnudo de mujer siempre envuelto en papeles o telas, lo que le da a la obra una cierta magia y misterio, con una técnica depurada logra en los cuerpos una frescura traslúcida evitando las sombras no opacas haciendo que inspiren tranquilidad, armonía y fecundidad.
Fernández recurre a la figura femenina con un estilo delicado y «nunca agresivo». Ha elegido a la mujer como protagonista de sus obras porque confiesa conocer los valores de su forma, «como mujer conozco el cuerpo y sus sentimientos». Intenta reflejar amor, cariño y belleza. En un papel secundario, pero sin restarle importancia, el hombre también ha tomado parte en su obra. En menos ocasiones se ha dedicado a pintarlo, pero sabe enfrentarse igualmente al desnudo masculino.
Este museo cuenta con dos obras de esta artista.
ISIDORO LÁZARO
El pintor comenzó su carrera artística en 1968 en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, aunque su interés por la pintura comenzó a una edad temprana. A los 8 años, su maestra, la srta. Luisa, le dijo que sería pintor, lo que marcó el inicio de su vocación. A los 16 años, se unió a una academia de dibujo dirigida por Juan Baixas, donde aprendió carboncillo y modelaje en el barrio gótico de Barcelona.
A los 18 años, aprobó el examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes, donde estudió hasta 1974, siendo un período de gran aprendizaje bajo la tutela de maestros como Puig de Angolas, Miravalls y Moncada. En 1974, realizó su primera exposición individual en la sala Grifé y Escoda, y desde entonces ha realizado más de 50 exposiciones individuales en diversas galerías, incluyendo la Sala Vayreda, Sala Comas y Sala Nonell.
Su tema principal ha sido los jardines, lo que lo ha llevado a viajar por varios países, pintando jardines en Inglaterra, Escocia, Italia, Francia, Portugal y España. Se considera uno de los últimos pintores románticos de la pintura española dentro del realismo figurativo, y su búsqueda artística siempre ha sido capturar la belleza en sus lienzos. Sus exposiciones también han llegado al extranjero, comenzando en EE.UU. y extendiéndose a lugares como Hong Kong.
JUAN BAUTISTA NIETO
Desde joven, Nieto fue alentado por su padre, un médico, a seguir la carrera de medicina, pero su fascinación secreta por la pintura comenzó mientras observaba, cada día, a través de la ventana de su camino a la escuela, a un pintor profesional trabajando. A pesar de su interés por el arte, la presión familiar lo llevó a estudiar Medicina en la Universidad de Sevilla, donde tuvo un contacto diario con cuerpos inertes, lo que más tarde influiría en su comprensión y apreciación de la anatomía humana.
Tras la muerte de su padre, Nieto decidió abandonar la medicina para seguir su verdadera pasión por la pintura. Comenzó a estudiar de forma autodidacta antes de ingresar a la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, donde desarrolló su estilo.
Su obra se caracteriza por una obsesión por recrear una realidad que va más allá de la representación fotográfica. Nieto no solo busca la precisión del hiperrealismo, sino que utiliza esta técnica para generar una intensidad que, paradójicamente, crea una sensación de irrealidad. Su técnica es extremadamente meticulosa, usando óleo y acrílico para construir capas delicadas de tonos, luces, sombras y densidades.
Dado el alto nivel de detalle en sus obras, Nieto produce pocos cuadros al año, con cada pieza tomando entre seis y nueve meses en completarse. Es considerado uno de los exponentes más destacados del hiperrealismo en la actualidad en el ámbito del arte español.
JOAN RASET
La pintura que realizo, básicamente es pintura al oleo sobre tela, figurativa, postimpresionista o expresionista. También trabajo sobre papel con pastel o cretas, sobre todo, con dibujos de figura realizados en círculos artísticos o en el propio estudio.
Pintando al oleo escojo temas de jardín o bien figura también en el jardín o en el estudio. He pintado paisaje urbano en muchas ocasiones y durante largos periodos de mi vida artística. He pintado París, donde he pasado temporadas, he pintado Venecia, con sus canales y su carnaval, he pintado Amsterdam, he pintado Brujas, Madrid, Barcelona…
ANTONIO MIGUEL GONZÁLEZ
Antonio Miguel González (Algeciras, 1954)
Con una larga y fructífera trayectoria a sus espaldas en el mundo del diseño, la docencia artística, la escultura, el dibujo y la pintura, Antonio Miguel es un artista que inició su vida profesional a los diecisiete años, aunque no entró en la Escuela de Bellas Artes hasta los veintiuno. Huérfano de padre a temprana edad, parece haber dedicado sus obras a esta trágica pérdida. Todos los conceptos técnicos del arte de finales del siglo XIX parecen inmersos, comprimidos y proyectados en sus cuadros. En cada uno de ellos se advierte una ligera influencia del estudio de maestros de la talla de Fortuny, los Madrazo, Villegas, Pinazo, etc.